초고층 빌딩이 빽빽이 들어선 스카이라인과 끊임없는 감각적 자극이 공존하는 도시에서 리테일 풍경은 사람들의 시선을 붙잡기 위한 요란한 외침의 경연장처럼 느껴지곤 한다. 홍콩의 전형적인 럭셔리 매장들은 웅장한 건축 디자인과 대담한 아이코노그래피, 소비자가 즉각 알아볼 수 있도록 설계한 독창적 브랜딩으로 존재감을 드러내며 주도권을 다툰다. 그러나 Van Cleef & Arpels는 정반대의 길을 택한다.

프랑스 하이 주얼리 메종 Van Cleef & Arpels는 치밀하게 계산된 절제미를 지향한다. 매장 파사드에 로고를 전면에 내세우기보다 눈에 띄지 않는 곳에 절제해 배치하며, 행인의 호기심을 조용히 자극해 안을 좀 더 자세히 들여다보게 하는 의도적인 신비감을 만든다. 이 같은 조용한 철학은 홍콩 센트럴의 Alexandra House로 새롭게 이전한 홍콩 메종의 방향을 이끈다. 2011년부터 자리했던 Landmark Prince’s Building을 떠나며 Van Cleef & Arpels는 오랜 건축 파트너인 Studio Jouin Manku의 패트릭 주앵과 산짓 만쿠에게 다시 의뢰했다. 단순한 매장을 넘어, 현대 디지털 시대에 맞서는 건축적 해답을 만들기 위해서다.

이 공간의 시적인 전복은 825㎡ 규모의 석재와 질감 있는 유리 파사드에서 시작된다. ‘빛의 비’를 연상시키는 입면에는 영국 장인들이 손으로 빚은 커다란 흰 석고 꽃잎이 장식돼 있다. 만쿠는 “모두가 소리 높여 외치는 현대 도시에서, 속삭임만으로 사람들을 사로잡을 수 있을까요?”라고 말한다. “그 속삭임에 충분한 깊이가 있다면 가능하다고 믿었습니다.” 이 구조적 ‘속삭임’은 실내에서도 이어진다. 오크와 밝은 석회석으로 완성한 웅장한 곡선형 계단은 스튜디오가 도시와 이어온 대화의 새로운 장면이 된다. 건축가들은 날카로운 모서리와 경직된 선을 없애고, 방문객이 서두르지 않고 둘러볼 수 있도록 유려하고 아늑한 살롱형 공간으로 동선을 이끈다.

Van Cleef & Arpels

Van Cleef & Arpels와의 파트너십은 20년 전 시작됐고, 2011년에는 Landmark Prince’s Building에 들어선 아시아 최초의 메종을 디자인했다. 오랜 시간이 흐른 뒤 같은 도시에서 같은 메종의 공간을 다시 설계한다는 것은 창의적으로 어떤 경험이었나?

Patrick Jouin: 오랫동안 함께해온 것은 사실이지만, 프로젝트 하나하나는 언제나 완전히 새로운 기회입니다. 물리적 공간과 구조적 흐름은 매번 전혀 다르기에 Van Cleef & Arpels의 핵심 정체성을 표현할 새로운 시각 언어를 끊임없이 찾아야 합니다.

동시에 우리에게도 20년의 시간이 더해졌습니다. 메종에 대한 개인적인 이해와 그 헤리티지가 의미하는 바에 대한 인식도 성숙했죠. 이제는 메종이 작동하는 방식도 훨씬 깊이 이해합니다. 메종 역시 새로운 하이 주얼리의 표현을 선보이며 끊임없이 진화하고 있습니다. 우리는 같은 것을 반복하지 않겠다는 원칙이 분명하기에, 메종의 DNA와 정신, 헤리티지 안에서 새로운 경계를 찾아야 합니다. 그 문화를 물리적이고 건축적인 현실로 옮기는 일은 대단히 훌륭한 도전입니다. Alexandra House의 새 프로젝트는 단순한 이전이 아닙니다. 홍콩 메종을 향한 우리의 창의적 비전에서 사실상 ‘버전 3’에 해당합니다.

Sanjit Manku: 이 프로젝트를 ‘버전 3’로 보는 이유를 이해하려면 Prince’s Building에 만들었던 첫 메종으로 돌아가야 합니다. 아마 그때가 패트릭과 제가 홍콩에 머물며 이 도시에 깊이 빠져든 첫 시기였을 겁니다. 도시 건축과 주변의 바다, 토착 동식물, 가파른 산림이 맺는 극적인 관계에 완전히 매료됐죠. 대조적인 요소들이 어우러진 놀라운 조합입니다.

우리가 맡는 모든 건축 프로젝트는 맥락에 깊이 뿌리내립니다. 세계 어디에 위치하는지, 우리가 다루는 건물이 지닌 물리적 조건은 무엇인지, 그리고 스튜디오와 Van Cleef & Arpels가 함께해온 진화의 흐름에서 지금이 어느 지점인지가 모두 중요합니다. 그래서 디자인의 방정식은 매번 달라지고, 최종 해답도 결코 같지 않습니다. Van Cleef & Arpels의 진정으로 놀라운 점은 우리에게 탐구할 창의적 자유를 준다는 데 있습니다. 이전 콘셉트를 복제하거나 경직된 기업 템플릿을 따르라고 요구하지 않죠. 설계에 내재된 유연성이 대단히 큽니다. 우리는 완벽한 목표에 가까워지기 위해 끊임없이 스스로를 밀어붙이지만, 의도적으로 기계적인 ‘정중앙’을 겨냥하지는 않습니다. 약간의 여백을 남겨야 다음 작업이 계속 진화할 수 있기 때문입니다.

“우리는 오랫동안 함께 작업해왔지만, [with the Maison] 프로젝트 하나하나는 언제나 완전히 새로운 기회입니다… Van Cleef & Arpels의 핵심 정체성을 표현할 새로운 시각 언어를 끊임없이 찾아야 합니다.” – Patrick Jouin

Alexandra House의 새 메종에서는 새로운 건축 미학을 선보이면서도 홍콩 고유의 정체성을 어떻게 담아냈나?

Patrick: 핵심은 고객이 눈과 마음 모두로 주변 환경을 바라보도록 하는 데 있습니다. 속도가 빠른 도시에서는 꽃 한 송이 곁을 지나면서도 제대로 관찰하지 않기 쉽죠. 하지만 걸음을 늦추고 자세히 들여다보면 놀라운 색의 그라데이션을 발견하게 됩니다. 꽃잎이 초록빛에서 짙은 붉은색으로 매끄럽게 변해가는 모습을 보게 되죠. 그 전환을 물감으로 재현해본 적이 있다면, 얼마나 구현하기 어려운지 잘 알 겁니다.

건축가로서 우리의 역할은 그런 타고난 감수성을 깨우는 분위기 있는 외피를 만드는 일입니다. 하이 주얼리 한 점을 완성하는 데 여러 명의 장인이 꼬박 1년을 들여 정교하게 작업하기도 합니다. 20년 전 처음 메종과 함께 일하기 시작했을 때 우리는 주얼리에 대해 아무것도 몰랐습니다. 다만 역사적 헤리티지와 동시대 디자인을 잇는 서사를 만드는 법은 알고 있었죠. 그래서 차분하면서도 풍요롭고 우아한 인테리어를 만드는 데 집중했습니다. 건축은 은은하게 뒤로 물러나도록 설계했습니다. 구조물 자체의 존재감은 사라지고, 시선은 온전히 주얼리의 예술성에 머물도록 말입니다.

Sanjit: 오늘날 우리는 스마트폰으로 끊임없이 쏟아지는 디지털 이미지가 지배하는 문화 속에 살고 있습니다. 이 초연결성의 기묘한 부산물 중 하나는 전 세계의 많은 공간이 서로 비슷해지기 시작했다는 점입니다. 지금 우리는 뚜렷한 문화적 충돌 한가운데에 있습니다. 한쪽에는 그 순간 가장 새롭고, 가장 요란하며, 가장 시선을 끄는 디지털 자극에 대한 집착이 있고, 다른 한쪽에는 특히 팬데믹 이후 순수한 평온과 고요, 선명한 명료함을 주는 공간을 적극적으로 찾는 사람들이 있습니다. 우리는 더 단단한 기반과 더 느린 속도, 자연과의 더 깊은 관계를 원합니다. 이 두 힘은 사회를 서로 반대 방향으로 끌어당기고 있습니다.

이 긴장은 새 메종의 디자인 철학을 형성하는 데 큰 동력이 됐습니다. 가장 큰 목표는 자연스럽게 휴대폰을 내려놓게 하는 환경을 만드는 것이었죠. 물리적인 안식처를 설계하고 싶었습니다. 사람들을 현관 안으로 이끌어 편안하게 하고, 어깨의 긴장이 절로 풀리는 분위기를 만들 수 있다면 내부의 장인정신을 받아들일 준비가 될 것입니다. Van Cleef & Arpels가 만든 아름다운 것들을 경험할 수 있도록 감각을 열어주고 싶었습니다.

Van Cleef & Arpels

흥미로운 말씀이다. 실제로 메종에 발을 들이는 순간 곧바로 평온함이 느껴졌다. 문턱을 넘자 시간이 정말 느려지는 듯했고, 공간 곳곳의 모든 디테일을 바라보게 됐다.

Patrick: 바로 그것을 의도했습니다. 평면은 의도적으로 비선형으로 구성했죠. 엄격하거나 기계적인 공간이 아니라, 공간의 안무이자 산책로, 혹은 유기적인 춤처럼 설계했습니다. 공간을 따라 걷다 보면 막다른 곳이 전혀 없다는 사실을 알게 될 겁니다.

Sanjit: 날카로운 모서리도 없습니다. 거친 기하학적 각을 의도적으로 없앴죠. 날카로운 모서리에서는 몸을 확실히 꺾어야 합니다. 왼쪽이나 오른쪽으로 의식적으로 방향을 전환하게 되죠. 고객이 미적 여정을 경험하는 동안 그런 경직된 공간적 선택을 강요받아서는 안 된다고 생각합니다. 공간은 부드럽게 안내해야 합니다. 아이가 사탕 가게를 탐험하는 것처럼, 어느 쪽으로 가도 잘못된 길이 아닌 느낌이어야 하죠. 유려하고 반가운 길이 눈앞에 계속 펼쳐지기 때문입니다. 이런 유동성은 인체를 직접 닮았습니다. 주얼리는 몸의 윤곽을 따라 착용하도록 디자인되고, 인체에는 직선이 전혀 없습니다. 우리의 공간적 선도 그 유기적인 우아함을 본뜹니다. 무용수가 공간을 가로지르며 움직이는 모습이나 숲속을 자연스럽게 굽이쳐 흐르는 길과 같죠. 호기심과 모험심을 불러일으킵니다.

메종의 창조적 세계가 얼마나 폭넓은지도 보여주고 싶었습니다. 대부분은 아이코닉한 Alhambra 컬렉션을 알고 있지만, 이는 메종의 스토리텔링을 이루는 한 단면일 뿐입니다. 방문객을 서로 다른 건축적 구역으로 부드럽게 이끌며 Perlée, 타임피스, 역사적 유산 아카이브를 자연스럽게 발견하도록 했습니다. 전체를 아우르는 분위기는 하나로 이어지지만, 집의 구조적 개념을 빌려 단조로운 반복은 피했습니다. 집은 식사하는 공간과 휴식하는 공간처럼 저마다 다른 방으로 이루어져 있죠. 메종 역시 그와 같은 주거 공간의 친밀감을 바탕으로 구성됩니다.

“주얼리는 몸의 윤곽을 따라 착용하도록 디자인되고, 인체에는 직선이 전혀 없습니다. 우리의 공간적 선도 그 유기적인 우아함을 본뜹니다. 무용수가 공간을 가로지르며 움직이는 모습이나 숲속을 자연스럽게 굽이쳐 흐르는 길과 같죠.” – Sanjit Manku

그런 주거 공간 같은 감각이 매우 선명하게 느껴진다. 각각의 살롱에 들어서는 순간 메인 플로어의 웅장한 규모와 분리되며, 마치 개인 주택에 들어선 듯한 기분이 든다.

Sanjit: ‘안무’가 이 공간을 가장 잘 설명하는 단어입니다. 공간을 구상할 때 우리는 ‘감정의 안무’라는 개념에 크게 의지합니다. 접근 방식은 건물이 놓인 도시적 맥락에 따라 완전히 달라집니다. 예를 들어 Prince’s Building의 기존 공간은 독립형 부티크였습니다. 차를 세운 뒤 거리에서 곧장 들어오는, 좁고 수직적이며 밀도 높은 공간이었죠. Alexandra House는 각기 다른 감정의 안무가 필요한 세 개의 출입구를 갖추고 있어 건축적 조건이 완전히 다릅니다.

지상층으로 들어올 수도 있지만, 이 경우에는 분주한 쇼핑몰 입구를 지나게 됩니다. 상층부로 들어오면 고가 보행교를 건너며 공간을 비스듬히 스쳐 보게 되죠. 혹은 우리가 ‘선수’라고 부르는 곳으로 도착할 수도 있습니다. 차량이 승객을 내려주는 눈에 띄는 모퉁이로, 이곳에서는 3개 층 높이의 인상적인 입구로 바로 들어서게 됩니다. 이 세 가지 상황은 각각 고객의 심리 상태를 바꿉니다. 어느 출입구를 이용하든, 즉각적인 감각적 필요를 충족하고 에너지를 전환해 내부의 세계를 맞이할 준비를 하도록 실내 건축을 구성하는 것이 우리의 역할이었습니다.

Van Cleef & Arpels

이 레이아웃의 초기 구상 과정에 대해 들려달라. 이 프로젝트를 위해 처음 설계 테이블에 앉았을 때, 가장 먼저 설정한 핵심 키워드와 개념은 무엇이었나?

Patrick: 가장 큰 구조적 과제는 여러 층위를 잇는 동선을 완성하는 일이었습니다. 거리의 출입구와 내부 층 사이에 상당한 높이 차가 있었기에, 매끄럽고 직관적인 동선을 만드는 것이 무엇보다 중요했죠. 층과 층 사이의 여정이 장엄하게 느껴지기를 바랐고, 그 결과 중앙 계단이 자연스럽게 탄생했습니다. 상담 데스크의 위치와 운영 동선 등 실질적인 기업 요구 사항과 건축적 산책로라는 큰 개념 사이의 균형을 맞추기 위해 현지 팀과 수개월간 협업했습니다.

Sanjit: 내부 동선을 해결한 뒤에는 외부 파사드에 주목했습니다. 홍콩처럼 밀도 높고 상업성이 극대화된 도시에서 Van Cleef & Arpels의 시적인 영혼을 어떻게 표현할 것인가를 고민했죠. 주변 럭셔리 매장을 보면 거의 모든 브랜드가 파사드에서 시각적으로 외치며 주목을 끌려 합니다. 우리는 반대의 방식을 택하고 싶었습니다. 외치는 대신 속삭임으로 순수한 우아함을 드러내는 것이죠. 모두가 소리 높여 외치는 도시에서 속삭임만으로 현대 도시를 사로잡을 수 있을까요? 그 속삭임에 충분한 깊이가 있다면 가능하다고 믿었습니다.

건물을 평평하고 종잇장처럼 얇은 브랜딩 외피로 감싸는 대신, 파사드를 입체적인 조각처럼 다뤘습니다. 깊이 들어간 창과 여러 겹의 투명한 층이 엑스레이 같은 효과를 내며, 안쪽의 따스한 분위기가 언뜻 비치도록 했죠. 안으로 들어서는 순간 공간이 주는 중력이 달라집니다. 바깥세상의 숨 가쁜 속도에서 의도적으로 벗어난, 아름답고 마치 마법처럼 낯선 환경이 펼쳐집니다.

“평면은 의도적으로 비선형으로 구성했습니다. 엄격하거나 기계적인 공간이 아니라, 공간의 안무이자 산책로, 혹은 유기적인 춤처럼 설계했죠. 공간을 따라 걷다 보면 막다른 곳이 전혀 없다는 사실을 알게 될 겁니다.” – Patrick Jouin

외부 파사드는 매우 인상적이다. 맞춤 제작한 조각 패널은 영국의 전문 장인들과 협업해 완성됐다고 들었다. 이처럼 높은 수준의 수공예 기법을 외부 건축에 적용하는 일이 왜 중요했나?

Patrick: 디자이너로서 먼저 패널의 유기적인 형태를 스케치한 뒤, 그 선을 실제 소재로 구현할 수 있는 최고의 장인을 찾아야 했습니다. 완벽한 기술적 구현 방식을 찾기까지 오랜 시행착오를 거쳤죠. 파피에마셰와 첨단 3D 프린팅, 두꺼운 석고 목업을 폭넓게 실험했습니다. 마침내 전통 석고와 매우 유사한 특수 소재 배합을 개발했고, 이를 통해 우아하면서도 손으로 빚은 듯한 질감을 구현할 수 있었습니다. 영국의 장인 Tom Palmer가 이를 완벽하게 완성했습니다.

Sanjit: 사람들이 그 우아하고 유기적인 선을 보며 알지 못하는 것은, 그 뒤에서 우리가 해결해야 했던 고도의 엔지니어링 과제입니다. 입지상 이 파사드는 태풍과 극한 기후를 견딜 수 있어야 합니다. 부식되거나 성능이 저하돼서는 안 되며, 매우 엄격한 구조 안전 기준도 충족해야 했습니다.

핵심 과제는 산업적 내구성과 섬세한 예술성 사이의 균형을 맞추는 일이었습니다. 중대한 구조 엔지니어링 문제는 완벽하게 해결해야 했지만, 동시에 눈에는 전혀 드러나지 않아야 했죠. 이를 위해 파리의 디자인팀, 영국의 장인들, 홍콩의 파트너, 중국 본토의 기술 제작팀이 전 세계적으로 긴밀히 협업해야 했습니다. 스튜디오 디렉터들은 건설이라는 엄정한 과학이 디자인의 시성을 훼손하지 않도록 전 과정을 조율했습니다.

매장 내 프라이빗 라운지 중 한 곳에는 L’ÉCOLE, School of Jewelry Arts와 협업해 만든 아름다운 장밋빛 석재 벽이 있다. 이 협업에 대해 더 들려줄 수 있나?

Sanjit: 네, 전통 다도에 바친 매우 인상적인 공간입니다. 공기가 가볍고 고요하게 느껴지기를 바랐죠. 팔레트는 섬세한 분홍빛과 따뜻한 복숭아빛을 부드럽게 섞었습니다. 그 특별한 깊이를 구현하기 위해, 과거 Place Vendôme 프로젝트에서도 함께했던 프랑스 기반의 뛰어난 광물 아티스트 Caroline Besse와 협업했습니다. 멀리서 보면 전통 회화처럼 보이지만, 실제로는 부순 반보석과 천연 석재 가루를 벽 패널에 직접 입힌 질감 있는 표면입니다. 방 안을 움직일 때마다 표면이 빛을 받아 반짝이는데, 이는 전통적인 물감 안료로는 재현할 수 없는 효과입니다.

더 나아가 이 인테리어는 살아 움직이며 진화하는 캔버스라고 생각합니다. 첫 번째 광물층은 완성됐지만 결코 고정된 상태가 아닙니다. 앞으로 몇 달에 걸쳐 다시 찾아와 고전 중국 미술의 몽환적인 풍경을 직접 참조한 손그림 구름 모티프를 벽면에 더할 예정입니다. 건축 프로젝트가 진정으로 완성되는 일은 없다고 믿습니다. 끊임없이 다시 찾아가 다듬고 진화시키는 살아 있는 회화에 가깝죠.

Patrick: 끊임없이 다듬어가는 이 철학이야말로 Van Cleef & Arpels와의 관계가 20년간 이어진 이유입니다. 이 정도 규모의 창의적 파트너십에는 두 가지 핵심 요소가 필요합니다. 절대적인 신뢰와 야망을 함께 품을 수 있는 여유죠. 우리 스튜디오와 메종은 특별한 것을 만들고자 하는 열망에서 완전히 뜻을 같이합니다. 그 약속을 실현하는 과정에서 타협하지 않죠. 공식 개장을 불과 몇 주 앞두고 현장이 혼란스러운 공사장처럼 보일 때조차 창의적 여정에 대한 신뢰가 바탕에 있습니다. 우리는 같은 높은 기준을 공유하며, 그렇기에 공간을 통한 스토리텔링의 경계를 계속 넓혀갈 수 있습니다.